Эволюция искусства: от реалистичности до идеи

Зачем вообще нужно понимание, что нам нравится в искусстве? Во-первых, для выбора выставок и музеев для посещения. Если есть чёткое понимание, что запрос — именно на эстетику и красоту, а голая концептуальность может не зайти, то можно защитить себя от негативного опыта посещения экспозиции, где «не будет ничего красивого». 

Во-вторых, это позволяет оценить собственные знания о мире искусства. Например, про реалистичное искусство можно сказать, что оно понятно не просто большинству, а почти всем. Поэтому у него больше шансов понравиться. А рефлексируя на тему собственных антипатий, можно замотивировать себя на новые исследования, на изучение того, что отталкивает своей неизвестностью. 

В-третьих, это может пригодиться при выборе произведения в интерьер или в коллекцию. Отнеся предпочтения к одной из базовых групп, можно актуализировать свои запросы, чтобы потом углубиться в уже выбранную группу со всем её разнообразием

Поэтому начнём с того, что разберёмся, как эволюционировало искусство и какие запросы предъявлялись художнику. Выберем упрощённую группировку направлений, отталкиваясь от отношения живописца к реальности.

Реалистичное искусство

В первую очередь это античность и эпоха Возрождения. Если применить критерий отношения к реальности — то это период, когда для человека существует только чувственно познаваемый мир. Это искусство про то, что художник и зритель органично вписаны в реальность и ощущают себя с ней единым целым. Окружающая действительность изображается такой, какой видится.

Конечно, и у античности, и у Возрождения, которое спустя века пытается вернуться к идеалам античности, реализм принципиально разный. Для античного художника — это стремление к идеалу. Он видит мир совершенным и прекрасным и таким изображает его, жертвуя порой индивидуальностью натуры. 

Реализм эпохи Возрождения — это воплощение одухотворённости и возвышенности. Это хорошо заметно в работах итальянского живописца, представителя флорентийской школы и одного из самых значимых художников эпохи Сандро Боттичелли. Тоже идеал, но физическое совершенство — это отражение совершенства духовного. Произведение искусства создаётся творцом, но для зрителя на понятном ему языке.

Самый простой способ достичь этого — изобразить персонаж или сюжет. Что мы и видим в эпоху Ренессанса, когда художник продолжал пользоваться традиционными мифологическими, античными или библейскими сюжетами.

До нашего времени эта тенденция дошла в виде классицизма, хорошо представленного в русской живописной традиции, яркий пример — картина «Явление Христа народу» Александра Иванова. Такое искусство вызывает восхищение техникой и мастерством автора. 

Модернизм и абстрактное искусство

Эта группа тоже включает в себя несколько направлений, которые объединяются уже по признаку отказа от изображения реальности. Модернизм можно определить не просто как новую форму художественного выражения — это в большей степени новая философия, разнообразные попытки уйти от подражания реальности.

Модернистское искусство выводит на первый план личный опыт и переживания художника. Зритель перестаёт волновать творца. Искусство приобретает такую значимость, что художественным амбициям отводится первоочередная роль. Это эпоха идеализации личной свободы в искусстве. Зритель и художник теперь словно находятся по разные стороны. Пока первый всё ещё в чувственном мире, второй — уже за его пределами. 

Началом модернизма в изобразительном искусстве принято считать 1863 год, когда в  Париже был открыт «Салон отверженных». Там были представлены работы художников, в том числе «Завтрак на траве» Эдуарда Мане, которым отказали в участии в официальном Парижском салоне.

Это эпоха потрясений, когда публика возмущена тем, что ей предлагают, считая это крахом и упадком искусства. Но зритель со своими эмоциями уже не важен, как не важна и реалистичность. Во главе угла — личность художника и его способ самовыражения.

Яркий пример — импрессионизм, в основе которого лежит передача собственных субъективных впечатлений автора. Яблоки Сезанна не хочется надкусить, они не вызывают аппетит. Такая видимость жизни вообще не интересовала художника той эпохи. Выбор сюжета в тот период тоже подразумевает уход от традиционного искусства с его мифологией. Те же импрессионисты изображали не героев античности, а собственное субъективное восприятие современной повседневности.

Концептуальное искусство

Это осознанный отказ от эстетики, которая осталась за рамками того, что ожидается от творчества художника. Искусство больше не претендует на то, чтобы быть красивым, вместо этого оно хочет быть интересным. Поэтому остаётся только идея.

И здесь художник и зритель снова в одном пространстве — но теперь оба за пределами чувственного мира. Зритель, вовлечённый в созерцание концептуальных произведений, приравнивается к художнику, творя смыслы своими собственными возможностями восприятия и осознания. 

Форм художественного самовыражения стало столько, что актуализировался вопрос: «Что такое искусство?». Ключевой фигурой, разрешившей эту проблему, стал Марсель Дюшан. Тот самый ставший культовым художник, который в 1917 году представил фаянсовый писсуар на художественной выставке. Дюшан заявил, что искусством может быть что угодно. Чтобы произвольный объект стал произведением искусства — достаточно, чтобы художник назвал его искусством. Статус произведения закономерно определяется его присутствием на выставке.

Если классическое реалистичное искусство оценивается с точки зрения качественного подражания реальности, а модернистское выражает субъективность, то концептуальное становится искусством в той степени, насколько эффективно оно доносит некоторую идею. Это царство символов и смыслов. Здесь уже не только зритель не подразумевается, здесь даже личное присутствие автора в произведении оказывается скомпрометированным. Зрителя нет, художника нет, даже изображения, возможно, нет. 

Автор: Елена Сорока