Лучшие театральные спектакли в кинотеатрах
В этой подборке — спектакли из главных театров мира. Благодаря проекту TheatreHD их можно посмотреть на больших экранах
«Франкенштейн»
Кинорежиссёр («Миллионер из трущоб», «На игле», «28 дней спустя») и постановщик открытия Лондонской Олимпиады Дэнни Бойл представил свою трактовку готического романа Мэри Шелли. Он рассказал в двух версиях историю Виктора Франкенштейна — фанатичного ученого, создавшего в ходе эксперимента разумное, но уродливое существо.
В одной Бенедикт Камбербэтч играет Франкенштейна, а его создание воплощает Ли Миллер.
В другой актеры меняются ролями. Текст и развитие сюжета пьесы при этом абсолютно одинаковы.
Актёры
Камбербэтч создаёт образ самовлюбленного учёного-нарцисса, уверенного в безграничных возможностях собственного мозга. Его брезгливость и презрение к безымянному Созданию вызывают у зрителя эмпатию и сочувствие по отношению к чудовищу.
Смена ролей смещает акценты. Камбербэтч в роли чудовища обладает какой-то особой пластикой, а его нестандартная внешность, доработанная гримом, делает существо поразительно достоверным. Миллер же несколько очеловечил Франкенштейна — Виктор в его трактовке явно болен, он идёт на поводу у своего воспалённого мозга, невольно теряя всех, кто ему дорог.
Атмосфера
Даже нестандартный ход с рокировкой актёров не вызвал такую бурю эмоций, как огромная круглая сцена-трансформер и декорации в зале театра. Их смена проходит для зрителя совершенно незаметно, в том числе за счёт впечатляющей работы осветителей. Последний штрих добавила музыка, специально написанная группой Underworld для этого спектакля.
Речь
Спектакли в кинопрокате идут с субтитрами. Именно в контексте двух версий постановки очень важно слышать разницу в тембре голоса, интонациях и даже дикции Миллера и Камбербэтча.
«Вид с моста»
Пьеса Артура Миллера «Вид с моста» уже много лет относится к театральной классике, она обошла подмостки многих европейских и американских театров. Одной из лучших считается постановка бельгийского режиссёра Иво ван Хове на сцене театра Young Vic в 2015 году. Посмотреть спектакль вживую сейчас невозможно, но он идёт в кинопрокате.
Главный герой пьесы — бруклинский портовый грузчик Эдди Карбоне — живёт с женой и её осиротевшей племянницей. Он изо всех сил старается защитить 17-летнюю девушку от опасностей внешнего мира, но не справляется, когда угроза начинает исходить изнутри, от членов семьи. Два итальянских кузена жены Эдди просят приютить их на время. С этого момента герою постоянно приходится принимать судьбоносные решения, к которым он оказывается не готов.
Актёры
Марк Стронг, воплотивший Эдди на сцене, отличился множеством ярких, но второстепенных ролей в кино («Шерлок Холмс», «Игра в имитацию», «Шазам», «1917»). У актёра итальянские корни, что делает его присутствие в центре итало-американской драмы очень гармоничным. Весь актёрский состав — сплошь обладатели престижных премий, но гораздо важнее, что актёры удивительно точно подобраны под миллеровские типажи.
Атмосфера
Режиссёр сознательно убрал из костюмов и декораций любые отсылки к эпохе и даже к месту действия. Социальная драма в итоге превратилась в концентрированную эмоциональную дуэль. Происходящее на сцене держит зрителя в постоянном напряжении, поэтому даже лаконичные декорации не дают ощущения монотонности и скуки.
«Боевой конь»
Незадолго до Первой мировой войны у мальчика Альберта появился друг — купленный его отцом на аукционе конь Джоуи. Упрямое и непокорное животное потихоньку привык к молодому хозяину и к работе в поле, но начавшаяся война разлучила их. Отец Альберта продал Джоуи уходящему на фронт капитану, который вскоре погиб. Узнав о его смерти, Альберт сбежал на фронт, чтобы найти и вернуть своего коня.
Театральная постановка прошла на сцене Лондонского Королевского Национального Театра. В качестве режиссёра выступила Мэриэнн Эллиот, обладательница премии Лоуренса Оливье.
Актёры
В этом спектакле конь Джоуи — полноценное действующее лицо, для его воплощения была изготовлена потрясающей реалистичности кукла. Она может не просто перемещаться по сцене, но и прясть ушами, вздрагивать и махать хвостом. В спектакле задействовано множество актёров, управляющих фигурами коней, птиц и даже огромным танком. В некоторых сценах участвует кукольный гусь, которому зрители предлагают выдать отдельную премию Лоуренса Оливье.
Речь
Спектакль идёт с субтитрами, что даёт возможность слышать настоящие голоса и интонации актёров. Для постановки это важно, поскольку, кроме разных вариантов британского выговора, у многих персонажей французский или немецкий акцент. За счёт таких деталей режиссеру удалось очень точно передать, в какой котёл превратились страны, участвовавшие в такой масштабной войне.
«Мнимый больной»
Написанная Мольером в 1673 году пьеса стала классикой ещё пару веков назад. Ипохондрик Арган окружен врачами, он с маниакальным пристрастием следит за своим здоровьем. Чтобы породниться с одним из лекарей, Арган задумал выдать свою дочь Анжелику за докторского сына. Та выходить замуж не желает, она влюблена в юношу, которого видела всего один раз. Мачеха Анжелики мечтает свести мужа в могилу, а падчерицу сослать в монастырь, чтобы не делить наследство. Брат мнимого больного гоняет от него докторов, подозревая их во лжи и корысти. При этом все врут и пытаются манипулировать, а Мольер постоянно сталкивает притворщиков лбами.
Автор задумал эту пьесу как представление для карнавала, поэтому по формату это «комедия-балет в трёх актах и прозе, с добавлением музыки и танцев».
Актёры
Гийом Гальенн, сыгравший в этой постановке Аргана, знаком русскоязычной публике по второстепенным ролям в кино («Ив Сен-Лоран», «Мария Антуанетта»). Во Франции же он больше известен как режиссёр, сценарист и театральный актёр. Гийом дважды удостаивался премии Мольера.
Стоит также обратить внимание на Жюли Сикар («Ни да, ни нет»), сыгравшую Туанетту — ушлую служанку Аргана. Жюли — прекрасная комедийная актриса, очень гармоничная именно для мольеровских пьес. Недаром в том же «Мнимом больном» в 2002 году она играла роль Анжелики.
Атмосфера
«Комеди Франсез» — это прямое наследие самого Мольера, и хотя бы один раз в нём стоит посмотреть именно эту пьесу.
В 1673 году, когда пьеса была готова к премьере, её не приняли во дворце, и Мольер со своей труппой поставил спектакль в одном из городских театров. Роль Аргана играл сам автор, и эта постановка стала его последним выступлением — после очередного показа Мольер умер. Его труппу Людовик ХIV объединил с конкурентами. Так и родился театр, известный сегодня как «Комеди Франсез».
«Кориолан»
На эту постановку шекспировской пьесы чаще всего идут, увидев на афише Тома Хиддлстона, ставшего известным после роли Локи в кинотрилогии «Тор». Его герой в этот раз — римский полководец, высокомерный и прямолинейный. После череды военных побед Кориолан стараниями своей властной и амбициозной матери оказывается втянут в политику, к которой совершенно не готов.
Пьеса была поставлена в лондонском театре Donmar Warehouse, режиссёром выступила руководитель театра Джози Рурк — обладательница многих премий, в том числе Лоуренса Оливье. В её «Кориолане» актёры не играют страх, бешенство, отчаяние, любовь — они проживают все эти эмоции.
Актёры
Хиддлстон — не единственный актёр, представший в этом спектакле в совершенно неожиданном амплуа. Марк Гэтисс, воплотивший в постановке Агриппу, многим запомнился как старший брат Шерлока из одноимённого сериала, чопорный и застёгнутый на все пуговицы джентльмен. Тем удивительнее видеть его в роли хитрого политика, глубокого и неоднозначного персонажа. Ещё одно удивительное перевоплощение — это полководец Тит Ларций в исполнении Альфреда Инока, улыбчивого мальчика Дина Томаса из «Гарри Поттера».
Атмосфера
Театр Донмар как нельзя лучше подходит для этой постановки — сцена находится в одном из лондонских подвалов, что только усиливает общую мрачность шекспировской драмы. В спектакле минимум декораций и реквизита, что позволяет сосредоточиться на напряжённых диалогах и батальных сценах.
«Сирано де Бержерак»
Классическая пьеса Ростана рисует Сирано де Бержерака как жившего в XVII веке поэта, сатирика и дуэлянта. Привычный нам Сирано стесняется своего огромного носа, страдает от комплексов и одиночества, чуть что, выхватывает шпагу, но боится признаться в своих чувствах возлюбленной.
Драматург Мартин Кримп и режиссёр Джейми Ллойд лишили постановку практически всех привычных театральных атрибутов. В первую очередь Сирано остался без огромного бутафорского носа, вокруг которого во многом вращалось повествование. Сыгравший его шотландец Джеймс МакЭвой («Особо опасен», «Грязь», «Сплит») лишен явных внешних недостатков и привлекает внимание разве что акцентом.
Нет и привычных для этой пьесы костюмов, декораций и постоянного фехтования. Вместо дуэлей на шпагах — рэп-баттлы в стенах из фанеры, единственный реквизит — несколько сценических микрофонов и пара стульев.
Ллойд полностью адаптировал пьесу под современный английский язык и реалии нашего времени. В итоге получился спектакль совсем не о Сирано. Трактовка Ллойда вообще не о персонажах, не об одиночестве главного героя, которое он сознательно пестует, не о нежелании Роксаны, его возлюбленной, видеть чуть дальше очевидного. «Сирано» Ллойда — о Слове. О безграничной его власти и силе, об опасности, которое оно может нести. И о любви к слову, ради которой Сирано жертвует всем.
Актёры
МакЭвоя неоднократно называли слишком красивым для роли Сирано, но в каком-то смысле это пошло на пользу постановке. В пьесе Ростана ненавидимый героем нос и его страдания из-за своего мнимого уродства отвлекали внимание от сути. Сирано перебирает рифмы и любуется изящно подобранным словом, иногда забывая о том, по какому поводу его нужно сказать. И МакЭвой филигранно воплощает человека, влюблённого в слово.
А исполнительницу роли Роксаны Аниту Джой-Увадже смело можно назвать одной из самых актуальных звёзд английских подмостков, режиссёры часто приглашают её именно для переосмысления классических пьес.
Речь
Этот спектакль стоит посмотреть хотя бы ради МакЭвоя, виртуозно владеющего сценической речью. Именно его чувство ритма, слух, умение работать с тембром и интонацией, менять акценты обостряют ощущения от того самого слова, вокруг которого всё крутится. Очень эффектными получились и рэп-баттлы, тексты к которым подобраны ритмически идеально.
«Король Лир»
Джонатан Манби, считающийся одним из наиболее известных шекспировских постановщиков, презентовал свою трактовку «Короля Лира» в Chichester Festival Theatre. Оттуда спектакль переехал в Duke of York’s Theatre в Лондон — именно его сцену можно увидеть в записи. Эта постановка фактически стала прощальным бенефисом для культового актёра Иэна Маккеллена.
По сюжету пьесы дряхлеющий монарх пытается справедливо разделить наследство между тремя дочерьми — Корделией, Реганой и Гонерильей. Мощнейшая энергетика Маккеллена могла бы превратить постановку в моноспектакль, но Манби приложил максимум усилий, чтобы этого не допустить. Действие перенесено в условный двадцатый век. Кент в трактовке Манби — женщина, Корделия — темнокожая амазонка в военном мундире, Регана — садистка, получающая сексуальное удовольствие от пыток.
Актёры
Маккеллен еще десятилетия назад состоялся и как театральный, и как киноактёр («Властелин колец», «Хоббит», «Код да Винчи», «Мистер Холмс»). Но именно «Король Лир» играет важное значение в его театральной карьере. В 1974 году он играл в спектакле Эдмунда, в 1990-м — Кента, а в 2007-м он вырос до роли самого Короля Лира. На момент записи спектакля актёру было 79 лет.
Стоит обратить внимание на Шинед Кьюсак, воплотившую Кента. Актриса пять раз номинировалась на премию Лоуренса Оливье, специально под неё в Дублине была поставлена новая версия пьесы «Три сестры».
Самый неоднозначный режиссёрский ход трактовки Манби — это психопатка Регана, роль которой сыграла Кирсти Бушелл. Можно по-разному относиться к такому образу классического шекспировского персонажа, но актёрская задача выполнена на все сто — от взгляда Реганы становится не по себе даже в кино.
Атмосфера
В спектакле минимум декораций, почти всё действо разворачивается на фоне серых стен, но на крутящемся красном диске. Настроение создают написанная братьями Рингам музыка и очень тонкая работа осветителя.
«Дядя Ваня»
Иэн Риксон очень бережно отнесся к чеховскому юмору и его же лёгкой, светлой грусти. Диалоги адаптировал ирландский драматург Конор Макферсон, в итоге они гармонично звучат на английском, но уникальная чеховская манера при этом никуда не делась. Основной сюжет, герои, эпоха и настроение тоже нисколько не изменились. Дядя Ваня живёт милостью родственников в их усадьбе и постоянно жалуется на судьбу. Его единственный друг, племянница Соня, тоже погружена в свои переживания и безответную любовь.
Актёры
Сыгравший дядю Ваню Тоби Джонс — удивительно разноплановый характерный актер («Первая Королева», «Девушка», «Шерлок»). Он одинаково гармонично может воплотить злодея и гнома из «Белоснежки», Альфреда Хичкока и пожилого охранника музея. В этой постановке он смешной, трогательный, немного нелепый и по-чеховски обаятельный.
Особого внимания заслуживает молодая актриса Эми Лу Вуд. Она прославилась благодаря съёмкам в телесериале «Половое воспитание».
Атмосфера
В отличие от большинства спектаклей проекта TheatreHD, «Дядя Ваня» изначально был поставлен для видеосъёмки и дальнейшего кинопроката. Возможно, этим объясняется такое трепетное отношение к декорациям — они не просто правдоподобно вписываются в контекст, но и очень элегантны. Красивые, правильно подсвеченные интерьеры, винтажная мебель, люстра, запущенный сад за огромными окнами старинной усадьбы — сплошное эстетическое удовольствие.
Автор: Юлия Телия